10 Tác Phẩm Không Thể Bỏ Qua Để Xem Tại Tate Britain
Tate Britain cho biết lịch sử độc đáo về sự đóng góp đáng kinh ngạc của nước Anh đối với nghệ thuật, cho dù đó là những bức tranh lãng mạn của các Pre-Raphaelites hay nhiều phê bình đương đại của xã hội chúng ta. Dưới đây là hướng dẫn của chúng tôi về các điểm nổi bật được hiển thị, gọi là nhà trưng bày này.
Ophelia - Sir John Everett Millais, 1851-2
Millais 'mô tả ma ám của nữ anh hùng Shakespearean bị thương vong này là không có gì ngắn mang tính biểu tượng. Nó ghi lại khoảnh khắc từ Hamlet khi Ophelia, bị điên loạn bởi thực tế là người yêu của cô đã giết cha cô, chìm đắm trong một dòng suối. Cô được bao quanh bởi một loạt những bông hoa tượng trưng, với những bông hoa biểu hiện sự trinh tiết, anh túc tử vong và cây liễu, cây tầm ma và hoa cúc vô tội. Là một thành viên của Brotherhood Pre-Raphaelite, Millais đã được dành riêng để quan sát vẻ đẹp tự nhiên trong thế giới xung quanh chúng ta, nhưng cũng trong vỏ bọc của những người phụ nữ xinh đẹp. Elizabeth Siddal (người sau này kết hôn với Rossetti) mô hình cho bức tranh. Cô đã được yêu cầu phải đặt ra trong một khoảng thời gian bốn tháng, nằm trong một bồn tắm nước. Kinh nghiệm đã dẫn đến việc cô ấy ký kết một cơn cảm lạnh dữ dội mà cha cô ấy đã đe dọa kiện, trừ khi nghệ sĩ trả tiền hóa đơn y tế của cô ấy.
Draped Seated Woman - Henry Moore, 1957-8
Với màn treo đẹp của nó, tác phẩm điêu khắc này gợi nhớ lại thời cổ đại, đồng thời cũng thực thi chuỗi hiện đại cụ thể của Moore. Nó là một trong số nhiều phôi có đặc điểm với tỷ lệ méo mó, với thân rộng quá và đầu giống như khối. Tư thế bất thường, đông lạnh là một bài tập về hình thức, và có nhiều hơn một cái gật đầu với Elgin Marbles. Cả hai đều chia sẻ cảm giác về chuyển động giống như cuộc sống, như thể chúng đã bị đóng băng đúng lúc.
Ghế - Allen Jones, 1969
Loạt phim 'đồ nội thất' gây tranh cãi của nghệ sĩ pop Anh đã gây ra sự phẫn nộ cho sự tôn sùng của mình đối với cơ thể phụ nữ, kể từ khi ba phần được trưng bày lần đầu tiên trong 1970. Cùng với Cái ghế, các nghệ sĩ sản xuất một bảng và một chiếc mũ đứng, trình bày người giả kích thước đầy đủ, busty trong tư thế khiêu dâm tương tự. Trước đây đã trở thành nổi tiếng nhất do thực tế rằng nó đã bị phá hoại với vũ nữ thoát y sơn trong triển lãm 1986 của Tate Bốn mươi năm nghệ thuật hiện đại. Các tác phẩm điêu khắc vẫn có khả năng gây sốc ngày hôm nay, với một số tuyên bố nó tượng trưng cho sự đàn áp của phụ nữ, trong khi những người khác xem nó như một đối tượng quan trọng trong kinh điển của lịch sử nghệ thuật.
Ao - LS Lowry, 1950
Cái tên LS Lowry đồng nghĩa với những cảnh công nghiệp của Anh dân cư với những 'người đàn ông que diêm' đặc trưng của anh ta. Mặc dù các bức tranh của ông bắt nguồn từ chủ nghĩa hiện thực, mô tả cuộc sống của các cộng đồng bình thường ở các thị trấn phía Bắc đô thị bị chi phối bởi các nhà máy, ông thực sự thích làm việc thẳng trên một tấm vải trống, xây dựng các họa tiết khi ông đi cùng. Nghệ sĩ mô tả bức tranh tác phẩm này: 'Tôi không có ý tưởng nhỏ nhất về những gì tôi sắp đặt trong khung khi tôi bắt đầu bức tranh nhưng cuối cùng nó xuất hiện khi bạn nhìn thấy nó. Đây là cách tôi thích làm việc tốt nhất '.
Hy vọng - George Frederic Watts, 1886
Mặc dù tiêu đề lạc quan của nó, bức tranh này là thủng với sự mơ hồ. Con số bị bịt mắt xuất hiện hoặc bị kiệt sức, cầm một lyre đã có tất cả nhưng một trong những sợi dây của nó bị gãy. Watts được biết đến với việc tạo ra các tác phẩm phantasmagorical vượt qua bất kỳ thời gian hoặc địa điểm cụ thể nào, và ở đây người phụ nữ bị cô lập này xuất hiện ngồi trên một quả địa cầu không thể phân biệt được. Nó là một trong hai phần ngụ ngôn được tạo ra bởi nghệ sĩ và trợ lý của anh, nhưng phiên bản thứ hai này được coi là ưu việt nhờ biểu hiện tuyệt vời trên mặt người phụ nữ, cũng như loại bỏ một ngôi sao nhỏ, làm cho biểu tượng của công việc quá nặng đưa tay.
Hình ngồi - Francis Bacon, 1961
Cũng như phơi bày những dấu hiệu đen tối nhất của tâm linh Bacon cũng quan tâm đến không gian hình ảnh. Vì vậy, ông thường sử dụng một thiết bị khung không chỉ phân biệt đối tượng, mà còn mời người xem nhìn xa hơn các cõi hình. Các đặc điểm khuôn mặt của mô hình xoắn ốc, ẩn danh này được vẽ quá nhiều, dẫn đến một khuôn mặt rời rạc nhiều mặt. Điều trị này đã trở thành một thương hiệu của nghệ sĩ trong giai đoạn này và ám chỉ đến sự mong manh bẻ gãy của nhân loại.
Thiên thần đứng trong ánh mặt trời - JMW Turner, 1846
Khi Turner bước vào những năm cuối đời, ông trở nên bận tâm với quan niệm về cái chết, cũng như những câu chuyện Kinh Thánh về sự trừng phạt ngay chính. Bức tranh này kết hợp sự sáng tạo và màu sắc huy hoàng của ông, vốn đã trở thành một nguyên nhân gây nhiều tranh cãi trong mắt các nhà phê bình của ông. Nhiều đồng nghiệp của Hoàng gia Anh coi mình là người thô lỗ hoặc thô tục mới, nhưng Turner đã cống hiến cho cách nhìn mới này trên thế giới. Trong tác phẩm này, Tổng lãnh thiên thần Michael cầm thanh kiếm của mình, sẵn sàng đập những tội nhân dưới đây. Bầu trời lộng lẫy, xoáy lộng lẫy dường như đang bốc cháy, và Turner sử dụng cái chạm nhẹ nhất của bàn chải để ám chỉ những đám đông kinh hoàng đang cố chạy trốn khỏi sự hỗn loạn không thể tránh khỏi.
Một Splash lớn hơn - David Hockney, 1967
Khi Hockney đến California lần đầu tiên một năm sau khi tốt nghiệp trường Cao đẳng Nghệ thuật Hoàng gia, anh ngạc nhiên khi khám phá ra rằng mọi người đều có một hồ bơi - một khái niệm đáng ngạc nhiên cho một người đàn ông trẻ tuổi được sử dụng để sống lạnh lẽo, khắc nghiệt ở Anh. Hồ bơi nhanh chóng trở thành một chủ đề định kỳ cho các nghệ sĩ, như ông đã bị cuốn hút với cố gắng để đại diện cho nước. Bức tranh này là tác phẩm lớn nhất trong số ba tác phẩm 'giật gân', tất cả đều mô tả kiến trúc 1960s cùng với các màu đậm, ấn tượng. Công việc hiện đang được trưng bày tại Pompidou ở Paris và cũng sẽ tham quan Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, trước khi trở về nhà.
Sự giải cứu của Andromeda - Henry C Fehr, 1893
Tác phẩm điêu khắc ấn tượng này mô tả truyền thuyết Hy Lạp vào thời điểm Perseus cứu Andromeda khỏi bị nuốt chửng bởi một con quái vật biển. Anh giữ đầu Medusa bị cắt đứt, người có sức mạnh để biến bất kỳ sinh vật nào thành đá bằng ánh mắt của cô, cũng như một con dao găm lớn. Thành phần bất thường cân bằng giữa ba nhân vật trên đầu trang của nhau, với Andromeda tội nghiệp bị xích vào một tảng đá, bên dưới trận chiến. Do kích thước của các tác phẩm điêu khắc nó đã được di chuyển vĩnh viễn bên ngoài trong 1911, nhiều để consternation của nghệ sĩ.
Không có người phụ nữ, không khóc - Chris Ofili, 1998
Bức tranh khổng lồ này là một sự tưởng nhớ đến mẹ của Stephen Lawrence, người đã bị giết trong một cuộc tấn công phân biệt chủng tộc trong 1993; nó đã giành được giải thưởng Ofili the Turner năm năm sau đó. Hồ sơ khóc lóc của Doreen Lawrence được thiết lập dựa trên bối cảnh được ghép lại được tạo ra từ những bản sao chép của bức họa Bridget Riley, và mỗi giọt nước mắt lớn của cô đều chứa đựng hình ảnh con trai của cô. Vải được dựng lên trên hai phần lớn của phân voi, một vật liệu mà Ofili sử dụng rộng rãi trong các tác phẩm đầu của ông. Cũng như nhớ lại một sự kiện đáng sợ, cụ thể mà tác phẩm cũng ám chỉ đến nỗi đau khổ chung.
