10 Nữ Nghệ Sĩ Đương Đại Từ Ấn Độ Cần Biết
Tiểu lục địa Ấn Độ đã tạo ra rất nhiều nghệ sĩ nổi tiếng quốc tế, nhiều người trong số họ đang tìm kiếm hàng triệu người bán đấu giá trên toàn thế giới. Một số nghệ sĩ thành công và sáng tạo nhất từ Ấn Độ là phụ nữ và thực tiễn đa dạng của họ khám phá nhiều chủ đề, từ danh tính và trí nhớ đến chính trị, lịch sử và văn hóa đương đại. Chúng tôi mang đến cho bạn mười nghệ sĩ nữ Ấn Độ nổi tiếng nhất hiện nay.
Shilpa Gupta
Xem xét một loạt các chủ đề từ văn hóa tiêu dùng đến mong muốn, an ninh, tôn giáo, dân tộc và nhân quyền, thực hành liên ngành của Shilpa Gupta sử dụng video tương tác, nhiếp ảnh, cài đặt và nghệ thuật biểu diễn, thường dựa vào sự tham gia của khán giả. Hoạt động giống như trò chơi video tương tác, chuỗi video dự thi của cô ấy có tiêu đề Bóng tối (1, 2 và 3) kết hợp các bóng đổ mô phỏng của người xem, được chụp bằng camera trực tiếp. Bóng tối được chiếu lên màn hình trắng, và tương tác với các bóng khác được tạo ra bởi các vật thể, búp bê, nhà cửa, chim chóc và các nhân vật khác nhảy múa, nhảy và đi bộ. Gupta là một trong số một thế hệ trẻ của các nghệ sĩ Ấn Độ có tác phẩm phản ứng với sự phân chia xã hội hậu địa của đất nước. Cô thường làm mờ, tái vẽ và xóa các ranh giới địa lý chính trị, chẳng hạn như 100 Bản đồ vẽ tay của Ấn Độ (2007-2008), bao gồm các bản đồ vẽ tay của người xem từ bộ nhớ, hoặc tác phẩm không có tiêu đề của cô mô tả một lá cờ băng cảnh sát màu vàng đọc, "Không có biên giới ở đây."
Bharti Kher
Stick-on, sẵn sàng thực hiện bindi - một trang trí trán truyền thống của Ấn Độ - là trung tâm của thực hành của Bharti Kher, và mời những ý nghĩa ambivalent, dao động giữa truyền thống và hiện đại. Kher phát triển mạnh về việc tạo ra nghệ thuật mô tả sự hiểu sai, quan niệm sai lầm, mâu thuẫn, đa dạng và mâu thuẫn, khám phá bộ phim của con người và cuộc sống đương đại. Các bindi xuất hiện trong các bức tranh của cô cũng như trong cài đặt điêu khắc của mình, thách thức vai trò của phụ nữ trong một quốc gia truyền thống, và tham khảo ý nghĩa tinh thần truyền thống của nó 'con mắt thứ ba'. Kỷ lục của cô ấy Da nói một ngôn ngữ không phải của riêng nó (2006) mô tả một con voi sợi thủy tinh chết hoặc chết được bao phủ trong bindis sáng bóng. Công việc của cô tiếp tục tham gia với những câu chuyện ngụ ngôn, những sinh vật kỳ quái, những con thú huyền diệu, và những con quái vật thần bí, như được thấy trong những tác phẩm dựa trên động vật khác như Khinh tội. Sự vắng mặt của một nguyên nhân có thể chuyển nhượng (2007) là một bản sao kích thước trung tâm của cá voi xanh, dựa trên trí tưởng tượng của nghệ sĩ, nhấn mạnh ý tưởng lãng mạn về 'trái tim lớn' và những bí ẩn gắn kết trái tim với các khái niệm về tình yêu, cuộc sống và cái chết.
Zarina Hashmi
Với giấy là phương tiện chính và từ vựng tối thiểu trong các mối liên hệ, Zarina Hashmi tạo ra các tác phẩm trừu tượng cộng hưởng với những trải nghiệm sống và lưu vong và khái niệm về nhà - cho dù đó là cá nhân, địa lý, quốc gia, tinh thần hoặc gia đình. Cô oeuvre thơ ca, thơ mộng bao gồm khắc gỗ, khắc, bản vẽ, và phôi làm từ bột giấy. Dây chuyền thủ công và thư pháp của cô tạo thành một yếu tố thống nhất trong các tác phẩm của cô. Ngôn ngữ là then chốt cho nghệ sĩ. Thư từ Trang chủ (2004) giới thiệu một loạt các bản in dựa trên các bức thư của chị Rani, người sống ở Pakistan. Trong một cuộc phỏng vấn video Tate, Zarina kể lại cách nhận những bức thư đó đã giúp cô giữ gìn bản sắc. Urdu viết tay được phủ lên bản đồ và bản thiết kế của những ngôi nhà và địa điểm xa xôi, mang bóng tối của những khoảnh khắc quan trọng và ấn tượng về những địa điểm liên quan đến cuộc sống của gia đình cô.
Nalini Malani
Khái niệm về ranh giới siêu việt là trung tâm của thực hành của Nalini Malani, rút ra từ văn học, thần thoại, lịch sử và cuộc sống cá nhân để tạo ra nghệ thuật có liên quan giữa các nền văn hóa. Từ bản vẽ đến tranh vẽ, hoạt hình dự kiến, chơi bóng, video và phim, nghệ sĩ này sẽ truyền đạt các yếu tố hiện đại để giải quyết các vấn đề bức xúc liên quan đến xã hội đương đại. Gia đình cô bị ảnh hưởng bởi phân vùng 1947 - một chủ đề rất thân thiết với Malani, như đã thấy trong Nhớ Toba Tek Singh (1998), một video lấy cảm hứng từ truyện ngắn của Sadat Hasan Manto cùng tên. Malani sử dụng biểu tượng của cái chết của Bishen Singh - một bệnh nhân tâm thần, từ chối chuyển đến Ấn Độ trong phân vùng, chết trong vùng đất không có người đàn ông giữa hai biên giới. Malani, sau đó, đang khám phá những ảnh hưởng của phân vùng đến cuộc sống của con người và cô ấy mở rộng thăm dò này đến hiệu quả của thử nghiệm hạt nhân ở Pokhran, Rajasthan. Sự quan tâm của Malani đối với Cassandra nằm trong niềm tin của cô rằng mỗi người chúng ta đều có hiểu biết và bản năng. Triển lãm 2014 của cô ấy có tiêu đề Món quà của Cassandra tại Vadehra Art Gallery tập trung vào khả năng con người dự đoán các sự kiện của tương lai và thực sự 'lắng nghe' những gì đang xảy ra xung quanh họ.
Rina Banerjee
Một tình yêu của chất, vải, và kết cấu, cùng với kinh nghiệm sống trong cộng đồng của các địa điểm văn hóa / chủng tộc hỗn hợp cung cấp cơ sở cho các công trình đa phương tiện thơ của Rina Banerjee. Cô định nghĩa oeuvre của mình như là một khám phá 'những khoảnh khắc thuộc địa cụ thể tái tạo lại địa điểm và bản sắc là những trải nghiệm phức tạp của cộng đồng gắn bó với nhau và đôi khi siêu thực.' Banerjee tạo ra các tập hợp đầy màu sắc của hàng dệt may, các mặt hàng thời trang, đồ vật thuộc địa, đồ đạc, vật liệu nhồi bông và vật liệu hữu cơ, có nguồn gốc từ các cửa hàng rác ở New York và được cấu hình lại thành các đối tượng thấm nhuần ý nghĩa mới. Các vật liệu bất thường bao gồm cá sấu chịu thuế, cũi gỗ, xương cá, trứng đà điểu, lông vũ và đồ nội thất cổ. Trong khi sự kết hợp của các tác phẩm của cô là sự phản ánh nền tảng quốc tế của cô, ngôn ngữ hình ảnh cô tạo ra bắt nguồn từ thần thoại và những câu chuyện cổ tích. Đưa tôi đi, đưa tôi đi. . . đến Cung điện tình yêu (2003) là một cài đặt được hiển thị tại Musée Guimet ở Paris trong 2011. Khẳng định một bài diễn văn về nguồn gốc của mình và quan điểm phương Đông-phương Đông của phương Đông, nó bao gồm một gian hàng bằng nhựa màu hồng tạo thành hình dạng của Taj Mahal để gợi lên một cái nhìn của Ấn Độ qua những chiếc kính màu hồng, đặc trưng của sự hiện diện thuộc địa của Anh tại Ấn Độ - với một tập hợp trung tâm của vật liệu 'kỳ lạ'.
Dayanita Singh
Tạo ra những câu chuyện tò mò về cuộc sống hàng ngày thông qua phương tiện nhiếp ảnh, Dayanita Singh đưa ra những biểu hiện trực quan cho một cảnh quan làm cho trí tưởng tượng của nghệ sĩ trở nên thật hơn với thế giới thực. Các bức ảnh đen trắng của cô được trình bày trong một bản cài đặt có tiêu đề Viện bảo tàng, cũng như trong môi trường yêu thích của cô ấy: cuốn sách. Giấy có ý nghĩa đặc biệt đối với Singh. Các nghệ sĩ miêu tả tất cả mọi người, từ tầng lớp thượng lưu đến rìa của xã hội, cho một góc nhìn rộng của Ấn Độ đương đại. Mona Ahmed là một nhân vật tái diễn trong công việc của cô; kể từ lần gặp đầu tiên của họ trong 1989 trên một hoa hồng cho Thời báo London - một thái giám sống trong một nghĩa trang ở Old Delhi, một kẻ bị bỏ rơi hai lần bị từ chối bởi gia đình cô và bởi cộng đồng thái giám. Sự miêu tả của Mona về Mona là một sự khám phá những người có bản sắc bị phân mảnh và thiếu một cảm giác thuộc về, đó là chủ đề của cuốn sách. Bản thân mình Mona Ahmed. Singh's ngôi nhà của tình yêu làm mờ ranh giới giữa sách ảnh và tiểu thuyết văn học, với hình ảnh kèm theo thơ và văn xuôi thuật lại chín truyện ngắn. Các 'bảo tàng' cầm tay, chẳng hạn như Bảo tàng tập tin (2013) hoặc Bảo tàng Cơ hội (2014), là các cấu trúc bằng gỗ lớn có thể được sắp xếp theo các cấu hình khác nhau, giữ giữa các bức ảnh 70 đến 140. Đây là 'kiến trúc ảnh', như Singh gọi nó, cho phép cô ấy không ngừng hiển thị, chỉnh sửa và lưu trữ hình ảnh.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat thường kết hợp nhiều phương tiện vào một tác phẩm nghệ thuật duy nhất. Keu của oeuvre tham gia với các chu kỳ không bao giờ kết thúc của thiên nhiên và sự mong manh của tình trạng con người, phản ánh sự thay đổi liên tục giữa sinh, tử, và tái sinh; xây dựng và sụp đổ, đánh bại và hồi sinh. Cô thường xuyên làm việc với tên chính thức được ghi lại hoặc đăng ký - về con người, đồ vật hoặc di tích đã bị mất hoặc biến mất mà không có dấu vết. Một motif thường xuyên trong thực tế của cô là con dấu cao su, một biểu tượng kiểm soát và của bộ máy quan liêu - một "trạng thái vô danh" che khuất và xác nhận danh tính. Kallat đã sử dụng tem cao su từ 2003, đầu tư công việc của mình với sự trớ trêu. Trong Falling Fables, cô sử dụng tem với địa chỉ của các di tích bị thiếu được bảo vệ theo Khảo sát Khảo cổ Ấn Độ, tạo ra các dạng tàn tích kiến trúc, gây chú ý đến trạng thái sụp đổ và gãy xương từ trí nhớ tập thể xảy ra ở Ấn Độ và trên thế giới ngày nay. Trong 2013, cô ấy đã tạo Không có tiêu đề (Mạng nhện / Crossings), một mạng nhện trên mặt tiền của Bảo tàng Bhau Daji Lad ở Mumbai. Sáng tạo của cô bao gồm một tấn tem cao su mang tên cũ của đường phố xung quanh bảo tàng và làm nổi bật lịch sử bị mất. Kallat trước đây đã sử dụng mô hình web để tương tác với các vấn đề về di cư và những người kiểm soát nó. Trong 'Chưa có tiêu đề (Bản đồ / Bản vẽ)', một bản đồ phức tạp của thế giới được làm bằng dây và phụ kiện điện sẽ theo dấu những con đường di cư thường bị ẩn đi.
Hema Upadhyay
Thông qua nhiếp ảnh và cài đặt điêu khắc, Hema Upadhyay tham gia với các khái niệm về bản sắc cá nhân, thuộc về, trật khớp, hoài cổ và giới tính, phản ánh về trạng thái hiện đại của Mumbai - một đô thị với đa văn hóa của nó do chuyển động di cư. Một tác phẩm tự truyện lặp lại bao gồm hình ảnh của chính mình, như thể cô đang tìm kiếm địa điểm riêng của mình trong thành phố, mà cô buộc phải di cư cùng với gia đình trong Phân vùng. Trong triển lãm cá nhân đầu tiên của cô, Kỷ niệm ngọt ngào mồ hôi (2001), cô trình bày những tác phẩm nói về cảm giác xa lánh và mất mát. Bộ phim có những bức ảnh thu nhỏ của chính mình dán lên những bức tranh mô tả quan điểm trên không và dưới mặt đất của Mumbai như một thành phố mới áp đảo.
Sheela Gowda
Kết hợp điêu khắc, nghệ thuật sắp đặt, và nhiếp ảnh trưng bày ở Ấn Độ và nông thôn Ấn Độ, Sheela Gowda tạo ra các tác phẩm sử dụng vật liệu hàng ngày, bao gồm vật và vật liệu tìm thấy và tái chế như phân bò, đỏ kumkum (nghệ), hương, tóc con người, lá vàng, thuốc nhuộm nghi lễ, và các vật liệu trong nước như sợi dừa, kim, chỉ, và dây. Thực hành của Gowda phụ thuộc rất nhiều vào quá trình của nó, làm mờ ranh giới giữa nghệ thuật và thủ công, và đặt câu hỏi về vai trò của chủ thể nữ trong bối cảnh tôn giáo, chủ nghĩa dân tộc và bạo lực hình thành nên Ấn Độ đương thời. Và nói với Ngài về tôi Đau (2001) sử dụng hơn 100 mét sợi chỉ được nhuộm màu đỏ kumkum, treo và treo trên không gian để tạo thành một bản vẽ ba chiều. Công trình nghiên cứu về văn hóa gia vị của Ấn Độ và ngành công nghiệp dệt - theo truyền thống là một phần kinh nghiệm sống của người phụ nữ - để làm nổi bật nỗi đau của cuộc sống gia đình nữ trong một xã hội phụ hệ.
Pushpamala N
Thông qua nhiếp ảnh, hiệu suất và video nghệ thuật, Pushpamala N phê bình khuôn mẫu văn hóa xã hội và nữ giới Ấn Độ và phân loại lại các tài liệu dân tộc học. Được đào tạo như một nhà điêu khắc, Pushpamala đã chuyển sang nhiếp ảnh và nghệ thuật trình diễn trong 1990 để khám phá sự quan tâm của cô trong những câu chuyện. Sử dụng các yếu tố văn hóa và truyền thống phổ biến, cô kiểm tra các khái niệm về địa điểm, giới tính và lịch sử. Triển lãm mang tính bước ngoặt của cô, Khai quật, tập hợp đặc trưng của giấy tờ và vật liệu bị loại bỏ đã cố gắng nhìn vào lịch sử đương đại như một địa điểm khảo cổ học. Những bức ảnh lãng mạn của Pushpamala xem cô là chủ đề trong nhiều vai diễn khác nhau, với hình ảnh mượn từ văn hóa, thần thoại và tài liệu lịch sử phổ biến, khám phá một cách hài hước sự phức tạp của xã hội đương đại và đời sống đô thị của Ấn Độ. Từ những câu chuyện ma đến tình cảm lãng mạn và chân dung dân tộc học, Pushpamala đặt câu hỏi về khái niệm nữ tính, dân tộc, quê hương, sự giàu có so với nghèo đói và những thành phố tưởng tượng.
