10 Nghệ Sĩ Philippines Đương Đại Cần Biết
Ngoại trừ một số nghệ sĩ được thành lập trên sân khấu quốc tế, cảnh nghệ thuật Philippines đã bị giới hạn trong một môi trường cách mạng - cho đến khoảng một thập kỷ trước. Sau một thời gian gián đoạn 50 năm, Philippines tham gia vào 2015 Venice Biennale với một gian hàng quốc gia, thu hút sự chú ý đến khu vực và mang một làn sóng mới của các nghệ sĩ địa phương vào ánh đèn sân khấu. Chúng tôi thu hút mười nghệ sĩ Philippines đương đại bạn nên biết.
Ronald Ventura
Trong 2011, Ronald Ventura đã phá kỷ lục cho bức tranh Đông Nam Á có doanh thu cao nhất tại Sotheby's Hồng Kông khi công việc của mình là chì, dầu và acrylic Grayground được bán với giá $ 1.1 triệu. Các bức tranh và tác phẩm điêu khắc của Ventura có nhiều lớp hình ảnh và phong cách, tượng trưng cho bản sắc dân tộc đa dạng của Philippines - một quốc gia mà trong suốt lịch sử đã được Hoa Kỳ, Tây Ban Nha và Nhật Bản chiếm đóng. Tác phẩm của Ventura thể hiện sự phức tạp của văn hóa hậu thuộc địa thông qua sự gắn kết giữa các họa tiết phương Đông và phương Tây; văn hóa cao và thấp; truyền thống và tiến bộ; quá khứ và hiện tại.
Alfredo và Isabel Aquilizan
Vợ chồng Alfredo và Isabel Aquilizan di cư đến Úc trong 2006 - một sự kiện đã trở thành không thể thiếu trong thực hành nghệ thuật của họ. Công việc của họ nói về cộng đồng, kinh nghiệm cá nhân, trí nhớ và sự dịch chuyển, cùng với những ảnh hưởng về cảm xúc và tâm lý của việc di cư. Các Aquilizans thường sử dụng các vật thể có ý nghĩa văn hóa như ẩn dụ của “kinh nghiệm sống”. Trong 2006, họ đã trưng bày Dự án Belonging: Trong quá cảnh tại Biennale Sydney; được làm bằng truyền thống balikbayan hộp được sử dụng bởi người Philippines để gửi đồ đạc của họ trên toàn thế giới, việc cài đặt gợi lên chuyến đi của cặp vợ chồng đến Úc. Công việc này phát triển thành Project Another Country: Địa chỉ (2008), được tạo thành từ nội dung của 140 balikbayan hộp, mỗi đóng gói cẩn thận và giám tuyển với các vật dụng cá nhân. Các Aquilizans kể từ đó đã sản xuất một số tác phẩm liên quan đến cộng đồng địa phương, sử dụng các tài liệu quyên góp và tạo ra các cài đặt phức tạp từ các đối tượng có ý nghĩa.
Mark Salvatus
Chủ đề đô thị và chính trị hàng ngày là trung tâm của công việc của nghệ sĩ đa ngành Mark Salvatus, người cũng là đồng sáng lập của các nhóm nghệ thuật đường phố địa phương Pilipinas Street Plan và 98B Collaboratory. Lấy cảm hứng từ cảnh quan đô thị, văn hóa đại chúng và truyền thông, Salvatus mô tả trải nghiệm đương đại, cả ở quê hương Philippin và ở những nơi mà anh ấy đi. Salvatus liên kết những tương đồng đa văn hóa, như được trình bày trong Haiku (2013) - một video chiếu của graffiti mà nghệ sĩ chụp ảnh trong suốt chuyến du lịch khắp Nhật Bản, New York, Úc và Indonesia. Video liên kết những người không liên quan và văn hóa để tạo ra một cuộc đối thoại toàn cầu. Trong 2014, nghệ sĩ đã trình bày Latitudes tại Trung tâm văn hóa Philippines - một loạt ba tác phẩm tham gia các vấn đề chính trị - xã hội xung quanh tài nguyên đất, không khí và nước.
Gary-Ross Pastrana
Các đối tượng quen thuộc được giải mã ngoài sự công nhận trong các tác phẩm mang tính khái niệm của Gary-Ross Pastrana đến mức chúng kế thừa một hình thức, ý nghĩa và chức năng mới. Pastrana quan tâm đến hậu quả của việc chuyển đổi thể chất của một vật thể, quan sát ý nghĩa của nó sau đó được thay đổi như thế nào. Đặt lửa thành miễn phí (2002) khám phá xem một đối tượng có thể giữ lại 'điều gì đó' của nó nếu nó bị hỏng. Pastrana phá hủy một cái thang, đốt một phần của phần còn lại và tạo ra một con chim từ đống tro tàn của nó. Dành cho Hai chiếc nhẫn (2008), nghệ sĩ đã làm tan chảy hai chiếc nhẫn của mẹ mình và định hình chúng thành một vật thể giống như thanh kiếm để điều tra liệu sự biến đổi vật lý đó có làm thay đổi tình cảm hay giá trị của vật chất hay không. Pastrana kết luận rằng giá trị tiền tệ sẽ không bị mất, nhưng đáng kể hơn, giá trị tình cảm của họ tăng lên khi các thuộc tính của các vòng kết hợp. Pastrana tái cấu trúc thực tế để tiết lộ sự thật của một vật thể.
José Santos III
José Santos III đã từ lâu thách thức nhận thức của 'hàng ngày'. Trong các tác phẩm đầu tiên của mình, Santos vẽ siêu thực tế trompe l'oeil cảnh và siêu thực, tác phẩm thơ mộng. Các nghệ sĩ đa phương tiện đã phát triển một phong cách khó hiểu, để lại công việc của mình mở để giải thích. Ông tiếp tục khám phá một niềm đam mê với các đối tượng trong một nỗ lực để khám phá lịch sử của họ, đồng thời che khuất nhận thức của người xem về người quen thuộc. Trong ²hide (2014), và triển lãm tại Pearl Lam Galleries, Santos trưng bày một cơ thể mới làm việc với các vật thể hàng ngày thấm nhuần ý nghĩa mới. Các đối tượng không được chú ý thường được đặt trong ánh đèn sân khấu, được định vị lại để tạo ra một trải nghiệm mới. Santos gợi lên một sự đánh giá mới cho sự ẩn giấu, cho chúng ta thấy mức độ mà chúng ta lấy các đồ vật được cấp trong cuộc sống hàng ngày.
Costantino Zicarelli
Costantino Zicarelli là một 'nhạc sĩ thất bại' và tự xưng là nghệ sĩ graffiti có tác phẩm phản ánh lịch sử của kim loại bay không người lái, kim loại đen và mọi thứ rock n 'roll. Tác phẩm và triển lãm của anh thường được truyền cảm hứng từ lời bài hát, chẳng hạn như chương trình 2013 của anh tại Silverlens trắng như ánh trăng, trắng như xương, tối như rắn, tối như ngai vàng. Khám phá 'mặt tối' của văn hóa pop, bản vẽ màu xám graphite của Zicarelli cho thấy hình ảnh sọ, rừng tối, ổ khóa treo trong rối, quả bóng disco, guitar đập vỡ, ngôi sao nhạc rock chết và biểu tượng hình xăm. Các nghệ sĩ giải thích rằng thực hành của mình là ít hơn về một groupie, và nhiều hơn nữa về giới thiệu một bên ít hỗn loạn của ngành công nghiệp. Triển lãm 2014 của anh Bụi của nam giới được lấy cảm hứng từ công việc và tính thẩm mỹ của Stanley Kubrick mang tính biểu tượng 2001: A Space Odyssey. Từ những hình ảnh của sự hy sinh cho sự hư hỏng, cuộc triển lãm này giới thiệu sự mong manh vĩnh cửu của loài người.
Norberto Roldan
Người sáng lập các nghệ sĩ da đen ở châu Á - một nhóm dựa trên Philippines tập trung vào thực hành nghệ thuật tiến bộ về mặt xã hội và chính trị - và các dự án nghệ thuật Papaya xanh, Norberto Roldan giải quyết các vấn đề xã hội, chính trị và văn hóa địa phương. Sự tập hợp của ông về văn bản, hình ảnh, và các đối tượng tìm thấy xem xét trải nghiệm sống của cuộc sống hàng ngày ở Philippines, cùng với lịch sử và trí nhớ tập thể của đất nước phức tạp. Roldan đặt trọng tâm đặc biệt vào các vật thể lịch sử và khả năng giữ lại ý nghĩa của chúng một khi chúng bị loại bỏ và lãng quên, đặt câu hỏi liệu một vật thể vốn có tính tình cảm hay độc quyền có ý nghĩa. Tập hợp của ông có tiêu đề Tìm kiếm thời gian mất tích 1 / 2 / 3 / 4 (2010) được lấy cảm hứng từ căn hộ của Hitler ở Berlin, được cho là không phù hợp với bản chất của nhà độc tài megalomaniacal. Công việc đặt câu hỏi theo cách thức mà các đối tượng phản ánh chúng ta là ai. Sự khởi đầu của lịch sử và chiến lược gây tử vong (2011) được lấy cảm hứng từ bài tiểu luận của Jean Baudrillard Kết thúc lịch sử và ý nghĩa, trong đó nhà triết học lập luận rằng toàn cầu hóa kết tủa sự tan rã của lịch sử và sự sụp đổ của tiến bộ. Mỗi tác phẩm là một tập hợp các đối tượng cũ được hiển thị trong tủ, nhớ lại một quá khứ được chế tạo bởi một nỗ lực để tạo ra một cảm giác trật tự từ những kỷ niệm bị lãng quên.
Louie Cordero
Các tác phẩm đa phương tiện phong phú và thường xuyên hài hước của Louie Cordero kết hợp truyền thống bản địa, Công giáo Tây Ban Nha và văn hóa nhạc pop Mỹ để thể hiện một lịch sử lâu dài của sự căng thẳng. Các tác phẩm màu rực rỡ của anh thu hút sự thẩm mỹ của những bộ phim kinh dị b-movie, nhạc heavy metal, truyện tranh, văn hóa dân gian và cuộc sống đường phố, tham gia vào các vấn đề xuất phát từ quá khứ thuộc địa của nghệ sĩ và giáo dục Công giáo. Tại 2011 Singapore Biennale, Cordero trình bày một cài đặt đa phương tiện đáng lo ngại có tiêu đề My We, lấy cảm hứng từ những vụ giết người sau đó gần đây của những người vô tội hát Frank Sinatra My Way trong các quán bar quanh Philippines. Việc cài đặt giới thiệu vô số các con số sợi thủy tinh đâm trên khắp cơ thể của họ với các bộ phận cơ thể bị hỏng. Trong nền, một video cài đặt dự án bài hát gây tử vong của Sinatra để tạo ra một giải trí kỳ lạ của các sự kiện rùng rợn.
Rodel Tapaya
Khai thác các chủ đề về trí nhớ và lịch sử, Rodel Tapaya dệt thực tế đương đại với những câu chuyện dân gian trong một phong cảnh sôi nổi lấy cảm hứng từ những câu chuyện dân gian và lịch sử tiền sử thuộc địa. Mía của Kabunian, đánh số nhưng không thể đếm (2010) đã giành giải thưởng Nghệ thuật Chữ ký 2011. Bức tranh — được trưng bày tại 10th Gwangju Biennale trong 2014 và hiện đang nằm trong bộ sưu tập Tiroche De Leon — có hình ảnh từ văn hóa dân gian Philippines, kết hợp nhiều câu chuyện và nhiều tài liệu tham khảo đa dạng, từ hình ảnh trung tâm về nguồn gốc thần thoại và các sinh vật khác. Tapaya cảnh báo chống tham lam của con người và phá hủy môi trường. Trong một mạch tương tự, Mountain Fantasies (2012) bình luận về sự nguy hiểm của việc khai thác quá mức và tầm quan trọng của việc bảo tồn thiên nhiên. Bức tranh vẽ ảnh hưởng từ truyền thuyết Philippines như nữ thần rừng xinh đẹp Maria Makiling, người bảo vệ rừng, và linh hồn nuôi dưỡng cây con nơi cây già đã chết. Công việc của Tapaya đóng vai trò phê phán sự vội vã của nhân loại đối với sự tiến bộ với chi phí của thế giới xung quanh chúng ta.
Martha Atienza
Sinh ra với một người mẹ Hà Lan và một người cha Philippines, Martha Atienza đã di chuyển giữa Philippines và Hà Lan trong suốt cuộc đời của cô và nền tảng hỗn hợp của cô được phản ánh trong công việc video của cô. Một nơi nào đó giữa trí tưởng tượng và sự hiểu biết, công việc của cô là một nghiên cứu xã hội học về môi trường của cô. Atienza quan tâm đến việc nghiên cứu tiềm năng của nghệ thuật đương đại như một công cụ để thay đổi xã hội. Cùng với Rodel Tapaya, cô là một trong những người lọt vào vòng chung kết giải thưởng Nghệ thuật Châu Á do 2013 / 2014 Sovereign trao tặng, nơi cô trình bày tác phẩm của mình giờ vô tận trên biển. Việc cài đặt video tỏ lòng tôn kính lịch sử của chuyến đi đại dương, lấy cảm hứng từ quá khứ của cha cô là một thuyền trưởng biển. Với một video chuyển động của biển khúc xạ qua một cốc nước và kèm theo âm thanh của đại dương, công trình này bắt được ảo giác về nước di chuyển và gợi ý cảm giác ảo giác được đưa ra bởi sự cô lập của một sinh vật trên biển.
